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Carlos
Scliar |
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"Quando me pedem para que conte quando comecei a pintar geralmente invento algo ou lembro histórias transmitidas pelos pais-corujas. De fato não me lembro quando comecei. Lembro vagamente que desejava estudar música - piano - e, como ainda não sabia escrever, o assunto foi postergado para quando estivesse alfabetizado. Resultado: comecei a riscar com carvão por toda a parte e não sei se minha família acreditou estar nascendo um artista pintor. |
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Aos doze anos
colaborava nos suplementos infantis e juvenis de Porto Alegre. Escrevia
contos, poemas e mesmo tentava novelas. Mais tarde comecei a ilustrar os
textos e pouco depois só mandava para os suplementos desenhos. Tratado
como guri prodígio, estava convencido de sê-lo. (depoimento a Roberto
Pontual, 1970)
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Foi na guerra, em contato com a miséria que ela produz, vivendo aqueles instantes com a sensação de últimos, que banha de uma luz especial tudo o que nos cerca, que se iniciou, sem eu ter consciência, uma nova etapa em minha pintura. Eu era, se não um pessimista, quase um cético: me descobri então um lírico, um lírico visceralmente otimista - com um tremendo amor à vida e confiança nos homens que tomavam consciência e buscavam se defender. |
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" Comecei a desenhar e pintar naturezas-mortas, pretexto para demonstrar meu amor às coisas simples, cotidianas, feitas pelos homens, úteis a todos os homens. Tentava transformar a carga de amor e vida que percebia em cada objeto. Me vi, lentamente, modificando a minha pintura, não só temática, mas sensorialmente." (in Carlos Scliar, álbum produzido pelo Museu de Arte de São Paulo, 1983)i
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"Pretendia, quando jovem, mudar o mundo com meus quadros; os propósitos, ainda que ingênuos, eram honestos e válidos, e continuam valendo, somente que hoje me proponho, mais discretamente, ser parte da revolução cultural brasileira, transmitindo em minhas obras meu amor às coisas simples, que fazem a beleza da vida, esta que deve, por todos os meios, ser amada e defendida." (in Scliar, o real em reflexo e transfiguração - década de 60)
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"Toda arte, tenha-se
consciência disso ou não, tem uma função política. (depoimento a Walmir Ayala,
década de 70)
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"Depois de quatro anos de estadia européia convenci-me de que era no Brasil que deveria descobrir o meu caminho mais profundo, mais coerente com a minha visão e intuição das coisas. Foi muito lentamente que descobri que deveria refazer minha base, mal organizada devido a uma caótica formação autodidata. Em fins de 1950 encontrei o Rio, e principalmente São Paulo, em plena febre dos museus e, a partir de 1951, das Bienais, que defendiam, em regulamento, o vanguardismo do dia. Decidi me enfurnar no Rio Grande do Sul, talvez buscando minhas raízes. Pretendia parar para pensar. Encontrei um grupo de amigos atravessando crises semelhantes. Decidimos criar o Clube de Gravura, baseados na experiência do Taller de Grafica Popular do México. Seria para nós uma espécie de escola livre, com modelo vivo para desenho, discussões, edições; e tentaríamos reorganizar nossos conhecimentos profissionais, na busca de uma linguagem que nos permitisse uma obra viva, capaz de nos contatar o público. (...)" |
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(...) "Os temas ligados à vida,
costumes e paisagens locais se tornaram nossa preocupação. Durante seis
anos passamos largos períodos desenhando, gravando e pintando temas
gaúchos. Foi um período importante na reformulação de meu trabalho
profissional. Nosso lema: a primeira condição do artista é adquirir uma
base profissional. Vivíamos, no país, um instante em que, em nome da
pesquisa, se praticavam os maiores mal-entendidos estimulados pela falta
de conhecimentos. Aproveitando nossa condição de hors-concours no
Salão Nacional de Arte Moderna, remetemos, a partir de 1952, obras que,
ainda que fossem para nós tarefas de disciplina, obras de circunstância,
estimulariam alguns jovens a desconfiar que era preciso conquistar uma
base profissional. (in Carlos Scliar, álbum produzido pelo Museu de Arte de São Paulo, 1983)
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| " Vocês me pedem que transmita, na medida do possível, alguma coisa dessa experiência que, como artista militante, eu venho aprendendo nesses últimos quarenta anos em nosso país. Estou cada vez mais convencido que a experiência de cada um serve pouco para os outros. E quando serve é geralmente mal utilizada. Trabalhar ou tentar sobreviver fazendo Arte em nosso país é um problema a ser resolvido em quase todos os níveis. A diferença entre 1940 e agora é que o número da artistas teimosos é maior. Os mal-entendidos se acumulam, nossa crise de crescimento está atrelada pelas crises de esclerose das metrópoles que, no entanto, continuam alimentando nossos críticos ideólogos. Em síntese: eu gostaria de aconselhar cada pessoa que desejasse ser respeitada pelo seus semelhantes - seus colegas - fosse capaz profissionalmente. |
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 Auto-retrato Linoleogravura / 25,6 x 21 cm Porto Alegre, 1951 / coleção do artista |
Penso que a crise que atravessamos, que permitiu o aparecimento de tantos "artistas" conceituais, isto é, artistas do blá-blá-blá, fizeram com que muitos jovens talentosos descurassem, subestimassem a sua formação profissional. Isto é, explodiam com seu talento intuitivo e rapidamente se viam no impasse de uma incapacidade que era menos criativa que material. Penso que essa é uma crise fácil de ser superada, quando se coloca o problema no devido lugar. Cada setor profissional deve assim se classificar na medida em que de fato domina seus instrumentos de linguagem. Os pintores devem conhecer seus problemas específicos, os gravadores idem. Além disso, técnica quem sabe ensina em cinco minutos, depois cada um, com a sua sensibilidade e percepção, o resto da vida vai desenvolver e aprofundar, até chegar àquela linguagem tão simples e direta, que será uma digital, que parecerá simples. (...)" |
| (...) Essa simplicidade é uma conquista que exige muito trabalho, principalmente muita continuidade e a humildade que acompanha toda e qualquer profissão. O artista transmite suas idéias e sua sensibilidade em tudo que faz. Se transmite mal, ou tem meios precários ou não tem idéias. A criatividade de cada um tem como seu maior inimigo o desconhecimento técnico, profissional. Viver do seu trabalho é o desejo de todo e qualquer artista, não basta ter talento para isto. Tão pouco uma grande promoção, que ajuda, que sempre ajuda a fazer um nome mais ou menos conhecido num pequeno círculo. Penso que nosso trabalho, por menor que seja o círculo que possamos atingir, tem importância no processo cultural do meio em que vivemos. Somos parte de um processo que se iniciou à nossa revelia e que continuará também à nossa revelia. Se quisermos fazer parte dessa corrente, com nossas obras, com nossas idéias, penso que sobreviveremos através daquilo que fazemos. |
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 Auto-retrato Nanquim / 50 x 35 cm Ouro Preto, 1968 / coleção do artista |
Se o nosso trabalho vai
ser importante ou não, não é o que nos importa agora, nos importa sim,
oferecer o melhor da melhor forma possível. Leonardo Da Vinci já
dizia que o cansaço de ser útil é uma primeira morte. Penso que esse
conceito, partindo de quem parte, nos faz mais humildes. Não me creio
dono da verdade. Não sei se a minha experiência vale para os outros, mas
continuo trabalhando com o maior apetite e empenho, desejando me
surpreender em cada trabalho que faço e desejando fazer de cada
expectador um amigo desconhecido. (depoimento sobre a experiência no setor de arte - 1980)
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" A cara do brasileiro índio, branco, negro e amarelo, rico de sua luta, de seu teimoso existir, é semelhante à de todas as comunidades no mundo em seu difícil sobreviver. Temos um país que, mais do que um continente na sua área, o é no seu sonho. Cada um vê o mundo com os olhos que a vida ensinou." (entrevista a Sean Hagen,
revista Viva no Sul, 2000)
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 Auto-retrato vinil encerado s/ tela / 50 x 40 cm Cabo Frio, 1997 |
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